Art d'avant-garde et contemporain la perception sociale de la valeur d'une œuvre d'art

"L'art est fatalement menacé par une société qui ne s'enthousiasme que dans la salle des ventes et dont la logique abstraite dépouille le monde de sa qualité sensible."

Terry Eagleton

Le avant-garde, o "Art d'avant-garde", apparus au début du siècle dernier, nourris par le rejet et la critique des traditions dans le but de transcender son temps historique dans une nouvelle création. Cet art, révolutionnaire et révolutionnaire, caractéristique de la modernité et s'apparentant donc à des périodes convulsives où tout était possible, aux contrastes de la mode actuelle, ou "art postmoderne".

La transition de l'art d'avant-garde à l'art postmoderne semble préservée une attitude dissidente, mais toujours en phase avec son introduction dans le circuit de la consommation quotidienne. Devenir toute une sous-culture, maintenant la critique n’est plus qu’un mode ou un mode de vie dans lequel l’attitude rebelle ne trouve aucune contradiction avec la fausse plénitude d’une vie joyeuse préservant l’ordre établi des choses.

Le fait que l’art postmoderne n’aspire pas à vaincre la société ne signifie pas qu'il suffit des conventions de l'ordre établi pour sa production, puisque cela fonctionne plutôt en créant une faute à la société qui prétend fournir à travers sa création. Il ne s’agit pas de nier la société en tant qu’ensemble holistique, mais d’y ouvrir des interstices, des besoins matériels ou spirituels auxquels le nouveau travail doit répondre..

Mais en regardant en arrière pour établir une certaine comparaison avec le développement artistique actuel, on peut dire que, malgré sa vocation à utopie sociale, L'art d'avant-garde avait tendance à devenir une création intime, par et pour l'auteur lui-même. Au contraire, l’art postmoderne, dépourvu de tout engagement social, dépourvu de toute volonté idéaliste transcendant l’ordre établi des choses, est une création en projection continue vers l’extérieur: Cela n'a de sens que d'être répandu et consommé.

Ceci s’explique par le fait que la création artistique, arrogée par le designers industriels et les agences de publicité, elle cesse d'être entre les mains de virtuoses pour qui la production en série de l'œuvre d'art aurait invalidé sa propre condition artistique: chaque œuvre, si elle est traitée comme de l'art, devrait être unique et unique. Faites attention à la considération pour laquelle l'art est associé au sublime, ce qui est exceptionnel.

L'art populaire qui devient mode, avec pop art en tant qu’exposant, il nous a laissé des boîtes de soupe (Campbell's) même dans la soupe. La sérigraphie est en effet une technique dont la principale caractéristique est faisabilité en reproduction. De la même manière, la mode, au sens large, fait allusion à ces tendances répétitives, qu’elles soient vestimentaires, de consommation ou finalement, de comportement..

Donc, même si l'avant-garde faisait partie de la "haute culture", un motif de distinction, la mode comme épiphénomène de "culture de masse" homogénéisée par la nature, perdre l'abstraction que l'art pouvait exiger à l'avant-garde et devenir un produit des plus mondains et laïques: l'art passait des temples en passant par les musées ou les théâtres dans lesquels des actes de culte étaient commis, jusqu'à l'écran de télévision , dans lequel chaque annonce publicitaire est en soi une création entière.

Il est vrai que la mode en tant que telle ne constitue pas un nouveau type d’art., contrairement aux avant-gardes qui étaient des mouvements artistiques d’une période donnée. En fait, la mode est une allusion à des coutumes, qui ne se limitent pas au domaine artistique, qui marquent une époque ou un lieu spécifique. Nous pouvons donc dire que la mode était quelque chose qui n’est pas déjà contemporain de l’avant-garde, mais beaucoup avant eux..

Il arrive cependant que maintenant tout art est la mode. Dans le domaine artistique, l’influence de la postmodernité signifie que les tendances ne sont pas identiques aux évolutions des avant-gardes précédentes dans lesquelles il y avait un développement progressif en phase avec un siècle socialement et technologiquement révolutionnaire, puisque de nos jours la mode sont, dans de nombreux cas, régressifs.

En parcourant le passé pour retrouver ses attributs, et en sondant l'avenir pour anticiper ses épithètes, la mode établit un présent inconstant et irrésolu connu avec une date d'expiration: contrairement à l’art d’avant-garde, revendiqué comme le fer de lance d’un processus sociopolitique qui a guidé, L’art actuel est conçu pour disparaître, car ce n’est qu’en créant des tendances transitoires et périssables qu’il remplit l’objectif de créer des pics de consommation à chaque nouvelle apparence..

En d’autres termes, le cycle court de la mode nécessite des ventes instantanées et en masse d’articles pour une utilisation brève et intensive de manière à ce que la kitsch sachant que tôt ou tard il deviendra kitsch. Et ayant le retour économique par substance, les tendances artistiques actuelles sont partielles et non œcuméniques., Ils ont l’intention de trouver des marchés de niche à occuper, puis de les réinventer.

À la lumière de cela, il est clair que, tandis que l'art d'avant-garde est celui des minorités qui aspirent à atteindre les majorités, l'art de la mode est celui des majorités qui aspirent à devenir des minorités. Et quand ne pas avoir de motivations, la mode cherche des influences ici ou là, quoi de plus: comment l'art postmoderne peut-il accompagner la société s'il est essentiellement sceptique quant à l'existence d'une réalité objective et, par conséquent, à la possibilité de la transformer?.

Et puisque la postmodernité ne fournit pas, mais nie, les jugements sur les éléments qualitatifs, nécessaires pour définir la réalité sociale mais aussi la réalité du travail artistique selon des critères de bien ou mal, jolie ou laide, tout ce qui reste comme principe directeur est la quantité. Le principe selon lequel plus les gens viennent à l’art (plus il est vendu), mieux il le sera, fait de cet art un art éminemment trivial. Telle est la condition de la masse ou de l'art populaire.L’œuvre qu’on avait l'habitude de revendiquer, parfois en tant qu'anti-art, prend aujourd'hui la forme de tout jalon conçu pour (et assimilé par) le marché de l'art..

En tout cas,le processus psychologique par lequel le jalon doit être conçu comme une œuvre d'art est que la pièce manque de valeur en elle-même et est toujours soumise à un facteur externe à sa réalité., comme, par exemple, la citation atteinte par l'auteur basée sur des conventions très discutables. De la sorte, tout comme la publicité ne vend pas le pain de savon mais l’idée de beauté, l’art contemporain a tendance à s’offrir comme interface d’un objet, voire d’une expérience., essentiellement symbolique.

Mais un art qui, bien que considéré comme subjectif et ouvert à toutes les interprétations, nécessite une reconnaissance externe est en soi contradictoire.. L'œuvre d'art actuelle peut également être considérée comme une multitude d'images, de sons et de mots présents dans tous les domaines de notre vie quotidienne. Dans ce cas, le travail serait tout et, à son tour, ce ne serait rien (la performance est ce travail qui, résistant à entrer dans le circuit commercial à travers lequel la valeur d'échange circule, est éphémère en raison de ses propres idiosyncrasies).

Il semble que l'avant-garde ait été étranglée par les anneaux en plastique des canettes de canettes de soda et que son cadavre ait été enterré sous des litres et des litres de peinture plastique qui, en superposant une couleur sur une autre, en sont venus à former une motte qui a généré le nouveau travail de art, né directement du sol et non des fleurs qui en naissent. Peut-être que le but ultime de l'art n'est rien de plus que son manque de but, ainsi, en tant que critique silencieuse de la rationalité instrumentale et des valeurs du marché, elle acquiert sa raison d'être. en gagé l'autonomie de la valeur, l'inverse du profit capitaliste.